The Freewheelin' Groover

Kim Gordon - Girl in a Band - Minimum Fax Editore
2016- 306 pp

Esce anche in Italia l’ autobiografia di Kim Gordon  bassista dei Sonic Youth band storica degli anni ottanta- novanta.

I Sonic Youth sono stati una band incredibile : dura, sperimentale, alternativa, rispettata da quasi tutti i musicisti delle diverse scene musicali degli anni ottanta (l’hardcore californiano, la scena di Washington, la scena di Seattle...) e soprattutto sempre in prima fila per promuovere e supportare le nuove band emergenti.

Speed Trials
Alameda
Ballad Of Big Nothing
Between The Bars
Pictures Of Me
No Name No. 5
Rose Parade
Punch And Judy
Angeles
Cupid's Trick
2:45 AM
Say Yes

Rough Trade RTRADELP 030 - 8/2001

Nel giro di un paio d’anni ho pian piano cercato di recuperare quasi tutti i dischi dei Green on Red, tra i miei preferiti c’è sempre “Here Comes the Snakes” (il primo amore non si scorda mai) ma “Gas Food Lodging” è quello che considero il disco della svolta della band, il più maturo e il più innovativo.

I Green on Red nascono a Tucson, Arizona alla fine anni settanta come gruppo punk new wave, sono Dan Stuart chitarra  e voce , Van Christian batteria (poi con i Naked Prey), Jack Waterson al  basso e dopo un breve periodo si aggiunge Chris Cacavas alle tastiere.

Si trasferiscono a Los Angeles ad inizio anni ottanta, conoscono Steve Wynn cambiano nome in Green On Red ed incidono un Ep e  Alex Mc Nicol sostituisce Van Christian.

Nel 1983 pubblicano l’ottimo “Gravity Talks” dove rock acido, psychedelia, hammond ed echi di new wave si miscelano alla perfezione. Diventano uno dei gruppi di punta del “Paisley Underground”, movimento che, secondo il sottoscritto raccoglieva band che tra loro non avevano nulla in comune, se non un amore per i sound sixties.

A quel punto arriva un cambio abbastanza radicale, entra in formazione Chuck Prophet giovane chitarrista e, complice anche la sua influenza,  la band cambia direzione.
Altro fattore importante per il cambiamento è la passione di Stuart per Jim Thompson, il noir e il suono roots e country,

La voce sofferta di Struart inizia a raccontare storie di emarginazione, lotta, alcool, e noir e la base musicale si orienta su Dylan, il folk, il Neil Young di "Zuma" e dei primi anni settanta, i Byrds e gli Stones si parla di un nuovo genere il Desert rock: storie cupe di periferia, violente e di ribelli negli anni ottanta reaganiani.

“Gas Food Lodgin” è tutto questo.
I pezzi forti di un disco molto omogeneo sono le due ballad iniziali tra Stones, whiskey, deserto e psychedelia:"That's What Dreams " e "Black River", la dura "Hair  of the dog" che Uncut ha definito come Merle Haggard che incontra i Replacements, la violenta (con la sua storia di omicidi e desolazione) "Sixteen Ways" e la versione Byrdsiana revisited di "We Shall Overcome", vero urlo di sopravvivenza agli anni ottanta e all' america del Presidente attore.

Warner Bros Records - 9 25727 - 8/88

1. Up the Beach 
2. Ocean Size 
3. Had a Dad 
4. Ted, Just Admit It... 
5. Standing in the Shower...Thinking 
6. Summertime Rolls 
7. Mountain Song 
8. Idiots Rule 
9. Jane Says 
10. Thank You Boys 
11. Pigs in Zen 

I Jane’s  Addiction furono,  alla fine degli anni ottanta, un gruppo fondamentale.
Fondamentali sia perché la loro musica è stata una delle prime a potersi definire crossover, miscelando l' hard rock degli Zeppelin e dei Sabbath, il funk, il rap, la sguaiatezza alla Stones, e musica alternativa, ma soprattutto perché furono il uno dei primissimi gruppi  - teoricamente alternativi - che suonava una musica non commerciale ad entrare nel circuito di MTV e del cosidetto “Mainstream”.
Fecero da apripista per i gruppi grunge (Nirvana su tutti) e crossover californiani (Red Hot Chili Peppers, anche se questi ultimi suonavano già da parecchio tempo) che da lì a qualche anno conquisteranno le classifiche musicali.
I Jane’s Addcition derivano dagli Psicom band losangelina in cui militava Perry Farrell che pubblica un EP nel 1984.
Farrell incontra il bassista Eric Avery, il chitarrista Dave Navarro e con Stephen Perkins alla batteria forma una band, che prendendo spunto dalla tossicodipendenza di  una loro amica, si battezza Jane’s Addiction.
Diventano la band di punta dei bassifondi di Los Angeles, dei tossico dipendenti e degli emarginati.
Incidono un live nel 1987 per la Triple X e il mondo "alternativo" musicale si accorge di loro, del loro crossover e dei loro eccessi.
Il live contiene brani poi presenti anche nell' lp d'esordio e le cover di "Rock and Roll" dei Velvet e di "Simpathy for the devil" degli Stones.
I Jane's Addiction sono a questo punto una delle band più contese dalle major e nel 1988 la Warner Bros (all' epoca alla spasmodica ricerca di band dal Underground  Husker Du e Jane's Addiction su tutti) non bada a spese : scelta del produttore libero, che ricadrà su Dave Jerden già con Talking Heads e Brian Eno, soldi e videoclip per lanciare la band.
La band di Farrell e soci fa centro : il loro sound proto crossover, l'hard, la psychedelia, il metal, accenni di rap e funk ed ottimi brani siglano uno degli esordi più belli degli anni ottanta.

New West Records - NW  5106 - 6/15

1. Fought The Blues And Won
2. Those Were (Could’ve Been) The Days
3. Heavenly Home
4. Less Honkin’ More Tonkin’
5. Low Down Soul
6. The Real Deal
7. Still Someone
8. Time To Believe In
9. Louise
10. Simple And True
11. Same Blood As Mine
12. Out On The Rise

“Deslondes” dell’ omonima band di New Orleans è il disco che più sta girando sul mio piatto in questi giorni.
Niente di innovativo o super fantasioso, ma del sano country venato di R’n’B, suonato bene, prodotto bene, arrangiato ancora meglio e con delle ottime canzoni, anzi qualcuna davvero super.
Ovviamente fino a quindici anni fa (quando globalizzazione musicale e “mainstream” non erano non così diffusi) un disco del genere sarebbe stato relegato ad una cerchia di appassionati, probabilmente sarebbe stato meno “prodotto” e non avrebbe avuto tutto questo seguito. Purtroppo o per fortuna oggi non è cosi.
Quindi possiamo vedere il bicchiere mezzo pieno dicendo che abbiamo facilmente la possibilità di ascoltare dell’ ottima musica country, oppure mezzo vuoto dicendo che è un disco che si ascolta solo per moda.
Personalmente propendo per la prima opzione:  ho la possibilità di ascoltare un gran bel disco di buon country.
I Deslondes sono formati da Sam Doores (voce e chitarra), Riley Downing (voce e chitarra), Cameron Snyder (voce e percussioni), Dan Cutler (voce e contrabbasso) e alla Steel Guitar e al violino James Tourville. tutti musicisti e compositori.
Provengono da diverse band : Long Time Goners, Hooray for the Riff Raff e i Tumbleweed (Riley, Cutler, Doores).
Da questa ultima band prende il via il progetto Deslondes.
Il disco, pubblicato nel Giugno 2015, è inciso per la New West, etichetta che presta molta attenzione al Country e a quello che viene etichettato come “Alternative Country” (ha pubblicato dischi di Steve Earle  ed i Drive by Truckers), ed  è davvero buono.
Quindi country, western, honky-tonk, rockabilly, un tocco di R’n’b e testi che rispettano perfettamente la tradizione country : speranze e aspettative non realizzate e cuori spezzati.
I miei brani preferiti del disco sono “The Real Deal” e “Still someone” davvero grandissimi brani .
Il primo è il pezzo dal quale è stato tratto anche il video per lanciare il disco è un trascinante country molto ritmico, “Still someone”  è  melodico e pieno di Steel guitar è davvero un bel esempio di come il country possa diventare moderno senza svendersi e rimanendo fedele alle tradizioni. Concetto che si può allargare a tutto il disco.

                                                       Video Ufficiale di "The Real Deal" - Deslondes

Anche gli altri brani sono di ottimo livello, dal  r'n'b  Boogie di "Fought the blues and Won", al rockabilly o meglio hillybilly visto che non c'è assolo di chitarra ma di violino,  della trascinantissima "Less Honkin’ More Tonkin", le due bellissime country song come "Those Were (Could’ve Been) The Days" (rimorsi e passato) e la bellissima "Louise" (su un amore impossibile) che  rimanda  molto alle cose migliori del Bakersfield sound .
Country classico in "Same blood as mine" o in "Low down soul" con tanto di eco rockabilly.
Ma c'è di più : c'è dell' ottimo Western sound nella bella "Time to Belive in", del pop nel potenziale singolo "Heavenly home" e swing  e pop nella finale  "Out on the rise".
Insomma un ottimo disco per ascoltare ottima musica roots adeguata al secondo millennio; anche l'lp è molto curato con i testi di tutti i brani, l'ormai immancabile coupon per il download digitale gratuito e con delle belle foto che ritraggono i Deslondes (con un Look retrò ma moderno al tempo stesso) in un palco ad una tipica festa country dove mentre la band suona il pubblico balla.
Il disco ha ottenuto anche delle ottime recensioni dai magazine specializzati , Uncut e Mojo su tutti, e la band sta promuovendo il disco con un tour  che ha toccato anche l'Europa. Italia Esclusa.
Gran bel disco.

Foto della label della mia copia in vinile di NW5106

Arista Record - AB4260 - 2/80

Foto della label della mia copia originale di AB4260, con sleeve interna con i testi dei brani.L'Arista utilizzo questa label dal 1978 circa fino ai primi anni degli Eighties

Willie Nile - "Vagabond Moon" - (sample)

Young Marble Giants. Una band di Culto.

Un gruppo dalla vita brevissima (meno di due anni) con all’ attivo un solo disco l’lp “Colossal Youth” del 1980.
Disco che ha fatto entrare i Young Marble Giants tra i gruppi fondamentali della musica pop dopo la rivoluzione punk, non a caso vengono definiti il primo gruppo post- punk.

Autori di un sound minimale ed essenziale che racchiudeva influenze di Kraftwerk, Velvet, Brian Eno, il pop dei sixties, Duane Eddy ed i Devo. Caratterizzati dalla voce particolare della cantante Alison Statton, dalla chitarra minimale - ma ritmica- con riferimenti ai sixties ed uso del riverbero e del  muting di Stuart Moxham e dal basso e dai synth e drum machine del fratello Philip Moxham rivoluzionarono la scena Uk di inizio anni ottanta.

Alison era la ragazza di Philip, mal sopportata da Stuart leader del gruppo, questa tensione portò poi allo scioglimento della band .

L’influenza postuma del gruppo è enorme : hanno creato uno stile ed un genere copiato da milioni di band alternative da metà anni ottanta in poi, dai Belle and Sebastian (per il modo di cantare), agli Stereolab, ai Franz Ferdinand ai Clinic fino a Kurt Kobain che era un fan dichiarato di “Colossal Youth”.

La storia della band è molto breve : si formano in Galles nel 1978, i due fratelli Moxham, la Statton ed inizialmente con loro c’è anche un cugino, tale  Pete Joyce.

Creano la loro musica minimale, con melodia, ritmica, drum machine e synth che trova poco seguito nel Galles di fine anni settanta.

Fortunatamente partecipano ad una compilation della piccola label locale Z: “Is  the war over?”.

Attirano grazie a questa compilation l’attenzione della Rough Trade e del boss Geoff Travis

Per molto tempo quando qualcuno mi parlava del cinema tedesco l’associazione con capolavori, non facilmente digeribili, come i film di Lang o Murnau o piccoli “mattoni” come i film di Fassbinder o di Herzog era immediata.
Dopo un periodo di stanca, parecchi film tedeschi hanno iniziato ad attirare la mia attenzione con ottimi film : ”Le vite degli altri”, “Goodbay Lenin”, “La banda Baader Meihnof” e “La Sposa turca” quest’ ultimo dello stesso regista, Fatih Akin, di “Soul Kitchen”.
“Soul Kitchen “ è un film ben girato, divertente e pieno di musica soul.
Zino, figlio di immigrati greci, è il proprietario di un ristorante in decadenza e pieno di debiti ad Amburgo : il “Soul Kitchen “ appunto. Medita di mollare tutto e di raggiungere la ragazza in Cina dove sta studiando lingue orientali.
L’incontro con un cuoco super esigente che cambia il menù da fast food a cibo di classe, la presenza di una band punk che prova nel locale durante l’orario di apertura, l’arrivo del fratello di Zinos -detenuto in libertà vigilata - che si improvvisa un ottimo dj di musica soul funk (davvero strepitosa la colonna sonora con brani di Curtis Mayfield, Mongo Santamaria, Quincy Jones, Dyke & the Blazers , Boogaloo Joe Jones e molti altri) trasforma il locale, riempiendolo di gente e facendolo diventare uno dei più “cool” di Amburgo.
Zinos decide di partire lo stesso per la Cina (ma all’ aeroporto incontra la sua ragazza tornata in Germania per il funerale della nonna, insieme ad un fidanzato cinese) e affida il locale al fratello che lo perde al gioco con un immobiliarista senza scrupoli ex compagno di scuola di Zinos.
Tra mal di schiena di Zinos, incendi, fisioterapisti turchi, ed ottima musica, riuscirà Zinos a rimpossessarsi del locale?  Ovviamente si.
Ottimo film, divertente e trascinante, da citare  tra i protagonisti anche Udo Kier (nel ruolo di un ricco imprenditore interessato a comprare il terreno dove sorge il “Soul Kitchen”) attore storico che ha recitato anche con Andy Warhol e che  fu protagonista del leggendario “Dracula cerca sangue di Vergini...e morì di Sete”.
Fatih Akim si conferma un buon regista che riesce a trattare anche temi come la commedia e un appassionato di musica.
Da Vedere!!!

Un pochino in ritardo rispetto alla sua uscita, ma d’altronde questo è solo il blog di un semplice appassionato altri e più autorevoli siti hanno già parlato di questo, ma The Freewheelin Groover oggi si sofferma su quello che considero uno dei più bei dischi del 2015 : “I love you, Honeybear” di Father John Misty.

Father John Misty è lo pseudonimo di Joshua  Tillman già batterista ed arrangiatore dei Fleet Foxes band di punta del movimento indie del secondo decennio del nuovo millennio.

La carriera di Joshua Tillman inizia in realtà nel 2003 quando incide il suo primo disco solista “Untitled no 1” per la Broken factory.

A nome J Tillman incide tra il 2003 ed il 2010 ben 8 lp,
Come già detto è nella formazione dei Fleet Foxes e ufficialmente ne esce nel 2012.

A nome Father John Misty pubblica nel 2012 “Fear fun” per la Sub Pop, ottimo Lp di folk, e non solo alternativo, ma nel 2015 con “I love you, Honeybear” Father John Misty compie davvero un salto di qualità.

Il disco è un concept album su sé stesso, e nella versione in vinile standard ha una confezione (oggi si dovrebbe dire “Packaging” ) bellissima,: doppio Lp (che gira a 45 giri), copertina gatefold, poster con testi ,cd incluso, libretto d’istruzioni per l’ascolto ed ormai l’immancabile codice per il download.

Esiste anche una versione in cd ed una in Lp deluxe in vinile colorato.

Father John Misty ha compiuto un salto di qualità notevole, diventando un artista completo e ha pubblicato un piccolo capolavoro.

Nelle undici canzoni del lavoro oltre ai testi che raccontano la sua vita, pieni di sesso, storie  d’amore, rabbia, educazione  americana, troviamo echi  di tantissimi generi musicali dal pop anni settanta ai cantautori come Fred Neil ed Henry Nillson (quasi tutte le riviste specializzate hanno visto questa similitudine anche forse a causa degli arrangiamenti delle canzoni), al jingle jingle byrdsiano, alle melodia pop seventies e alla beach boys, ad accenni di latin jazz, alla musica elettronica, il pop barocco, gli arrangiamenti degli archi, la psychedelia, il folk rock, insomma un compendio di quasi 40 anni di musica popolare.

“Bored in the Usa” è la descrizione della sua gioventù da americano bianco privilegiato, il brano è una stupenda ballata al piano in crescendo che ricorda un altro grande cantautore, tale Randy Newman..

Cosi come gli archi della title track  rimandano ad un certo pop sofisticato dei seventies, o “Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)” che racconta il primo incontro con la moglie Emma è un pop venato di latin, con un dei fiati niente male.

Echi di Byrds e Beach Boys, Dennis Wilson  in “The Night Josh Tillman Came To Our Apt”,  uno slow blues venato di pop dei seventies in "When You’re Smiling and Astride Me" mentre pura elettronica per “True affection” che dimostra la polivalenza di Tillman.

Uno dei miei brani preferiti è “Holy shit” ballata acustica che a me ricorda il primo Bowie, da segnalare anche “I went to the store one day” ottimo lento folk e la più movimentata (ottima la batteria molto rock) "The Ideal Husband".

Un disco bellissimo, un lavoro maturo, con arrangiamenti non banali e con tanto uso di archi e orchestrazioni, per un artista che si conferma come un grande musicista di questi giorni.

Candidato ad essere uno dei migliori Lp del 2015.

Foto della label della mia copia in vinile di "I love you, Honeybear" Doppio lp , copertina Gatefold e poster con testi e cd incluso.

Father John Misty - "Holy Shit" - (sample)

Prendete il rockabilly, la surf music, un pizzico di punk rock, del garage, tante dosi di Cramps, una spruzzata dei B'52, Link Wray, i sixties, il surf strumentale, il Sud degli States, il pollo fritto, tanto sesso e cultura pop ed otterrete i Southern Culture on the Skids.
Rick Miller studente della North Caroline  University e cantante e chitarrista fonda, ad inizo anni ottanta, al college i Southern Culture on the Skids con una formazione che musicalmente è un omaggi ai Cramps e che già inizialmente cerca di unire le sue passioni la musica del sud degli states ed il Surf, passione che ha maturato durante un periodo trascorso il California.
La prima formazione dei Southern Culture on The skids presenta membri che abbandoneranno quasi subito, il sound è molto debitore ai Cramps.
Pubblicano un primo EP ed un lp omonimo  per la Lloyd Street Record nel 1986.
Il tempo di riorganizzarsi e la formazione nel 1987 si stabilizza con Rick Miller alla chitarra e voce, Mary Huff basso e voce e Dave Hartman alla batteria.
Con questa formazione la band pubblica tra il 1987 e il 1994 altri tre lp “Too much Pork for just one Fork” (1990), “For Lovers only” (1992) e “Ditch Diggin” nel 1994.
Nel corso degli anni il gruppo affina il suono miscelandolo con il surf ed il blues, l’interesse del maintreams per i suoni underground a metà degli anni novata dà ai Southern Culture on the Skids la grande occasione.
Firmano per la Geffen Records che nel 1990 apparteneva alla MCA e pubblicano “Dirt Track date”. Il formato in vinile viene pubblicato della indie label Telstar records.
Il disco è davvero la versione definitiva del suono dei Southern Culture on the Skids: il loro miglior lavoro forse leggermente più levigato per il grande pubblico.
Grande pubblico che scopre gli SCOTS nel 1995 quando partecipano al Jay Leno Show eseguendo “Camel Walk”.
Il gruppo acquisisce una discreta fama e il disco (o meglio il cd, la copia in vinile è abbastanza rara come tutti i dischi degli anni novanta) vende parecchie copie, si parla di circa 250000 copie, un risultato niente male.

 
                                                    I Southern Culture on the Skids al Jay Leno Show ,1995

“Dirt Track Date” riassume perfettamente la musica dei Southern Culture on the Skids e del loro stile  zeppo di citazioni del sud degli States, di birra, hot - rod, sesso, pollo fritto e stazioni di servizio ed è un buon prodotto, divertente ,ballabile, ma soprattutto un ottimo punto di partenza per far scoprire a chi si avvicina al disco le radici da cui partono gli SCOTS. In piccolo (molto in piccolo) quello che hanno fatto i meravigliosi Cramps ad inizio anni ottanta.
Troviamo quindi il surf  rock strumentale del brano di punta “Camel Walk” e di “Make Mayan an hawaian” con tanto di riferimento di musica delle siole Hawaii, il soul funk di “Soul city” e della bella esecuzione di “Nitty gritty”, l' omaggio a Bo Diddley e al rockabilly più pop di  "Whola lotta things", il garage punk influenzato dai Cramps di “White Trash” e”Fired chicken and gasoline”, il Rockabilly di "Greenback fly", o di "8 piece box" o "Voodoo Cadillac" brano che sintetizza perfettamente il loro stile: mid tempo, cramps, funk e rockabilly.
I brani di “Dirt Track Date” furono usati in diversi film ,“Camel Walk" in “Perdita Durango”, “White Trash” nel film “Hazard” del 2005, videogiochi e serie tv, lanciando una band che raggiunse il successo dopo anni di gavetta.
Il loro stile e la loro musica a metà tra parodia e serietà tra la fine degli anni novanta e l’inizio dei duemila attirò parecchi estimatori.
Sempre per la Geffen records nel 1997 pubblicarono il buon “Plastic Seat Sweat”, la loro fama e creatività negli ultimi anni pare essere un po in calo, ma la band (che forse ha commesso l’errore di non rinnovarsi) continua a suonare e pubblicare dischi (alcuni davvero buoni), nel 2014 ha pubblicato il 14 ° lp, nel 2015 è uscito un  EP dove gli SCOTS e Fred Scheneider (dei B’52) suonano assieme.
“Dirt Track Date” è il loro lavoro migliore ed è un album fondamentale per  la riscoperta e rimodernizzazione del surf, rockabilly, funk e garage.

I Kensington Market nel 1970 erano ormai un gruppo sciolto. Nonostante il capolavoro “Aardwark” l’esperienza della band era terminata.
Luke Gibson si riunì quindi a Luke and The Apostles, band storica della scena di Toronto dei sixties, autori di un singolo per l’Elektra (la seconda stampa) e la possibilità, mai realizzata, di lavorare su un album intero per l’etichetta di Jack Holzman con Paul Rothchild produttore dei Doors. Rothchild  ha definito i Luke and the Apostles una delle migliori band di sempre.
Band che  aveva parecchie potenzialità per sfondare, e anche molte occasioni per farlo (concerti con i Grateful Dead, contatti con grosse etichette discografiche), ma per una ragione o per l’altra non riuscirono ad  emergere.
Il gruppo tra la fine del 1967 ed il 1968 si scioglie ed  i tre protagonisti principali  cioè Gibson, McKenna e Little finiscono nei Kensington Market il primo, nei grandissimi Ugly Dicklins il secondo e nei Transfusion il terzo.
Luke Gibson finita l’esperienza dei Kensigton Market (http://thefreewheelingroover.blogspot.com/2015/05/a-canadian-trip-part-one-kensington.html) si ritrova con McKenna e Pat Little e ingaggiato l’ex Paupers Danny Gerrard al basso e Danny Mc Bride, riformano la band.
A loro si aggiunge Bruce Palmer ex Buffalo Springfield, che lascia dopo pochi concerti e subito sostituito da Jack Geisinger.
Pubblicano per la neo etichetta di Bernie Finklestein il 45 giri “You make me high” che raggiunse la 27 ° posizione nelle classifiche Canadesi.
Subito dopo McKenna abbandona e a fine 1970 anche Luke Gibson lascia la band per iniziare una carriera solistica.
Carriera che parte con il botto con il bellissimo lp “Another Perfect Day”.
Registrato nei Thunder Sound Studios tra Gennaio e Novembre del 1971 “Another Perfect day” è un ottimo album di folk imbevuto di Country rock e deliziato dalla voce blues di Luke Gibson, album pieno di riferimenti di Dylan, di Fred Neil, di Gene Clark e di Van Morrison.
Il disco che vede la collaborazione di Bruce Cockburn e di Gene Martynec (che è anche produttore ) è ben suonato, acustico e avrebbe davvero meritato più fortuna.
Troviamo bellissime ballate country come la open track “Virginia” o “Windy Mountain” con tanto di accenni rag time e di Van Morrison, quest’ ultimo fa capolino anche in  “All Deep Rain”; riferimenti country anche per la lenta "Flow" con il sottofondo di organo e piano.
Puro folk acustico per “Hold” per la cupa “Angel” e la meravigliosa Title Track “Another perfect day”.
Ci sono anche brani leggermente più rock con venature r’n’b  con chitarre elettriche in evidenza come lo stomp “Did you ever” e “See You Again”.
Infine Dylan viene fuori alla grande in “Lobo”, ma soprattutto nella meravigliosa “Full Moon Rider”, il brano sembra un pezzo di Fred Neil uscito da “Highway 65”.
Il disco è molto ben suonato e ha parecchi riferimenti anche Bluegrass, abbastanza moderno per l’epoca in cui uscì.
Il disco è sicuramente uno dei migliori esempi di folk acustico dei primi anni settanta.
Oggi sicuramente sarebbe celebrato come un capolavoro assoluto, intimista ed alternative Folk.
Uscì anche un 45 per  la True  North “Virginia/Frozen in Time”.
Manco a dirlo ebbe pochissimo riscontro commerciale,  Gibson suonò per tutti gli anni settanta ed ottanta prima i  con Killaloe (un album all’ attivo) , poi collaborò con il futuro million seller  Bruce Cockburn (anche lui su True North) poi con Silver Tractor e Luke Gibson Rock, infine trovò lavoro nel mondo del cinema.
Il suo disco “Another Perfect day” (un  altro giorno perfetto poco prima del giorno perfetto di Lou Reed) è un bellissimo disco da riscoprire.
Quotazioni : Il disco è abbastanza ricercato vista la militanza di Gibson nei Kensington Marker  e sopratutto nei Luke and the Apostles. Popsike  dà una valutazione media di circa 30 euro, con punte di 54 dollari.

Isobel Campbell è una violoncellista che dal 1996 al 2002 era nella formazione dei Belle & Sebastian, Mark Lanegan (vedi http://thefreewheelingroover.blogspot.it/2013/11/screaming-trees-buzz-factory.html), ex membro dei grandissimi Screaming Trees  e poi dei Queens of the Stone Age, è diventato (meritatamente ) con il passare degli anni una figura di riferimento per  l’alternative , o presunto tale, rock.

Lanegan si è giustamente guadagnato sul campo il rispetto e l’ammirazione di molti fan e musicisti. Musicisti che amano il suo lavoro passato e presente e che vogliono collaborare con lui.

La Campbell lascia i Belle & Sebastian nel 2002 e sotto la sigla Gentle Waves pubblica due lp, e poi  a nome Isobel Campbell altri due, ben accolti da pubblico e critica, buoni dischi di neo folk .

Inizia a collaborare con Lanegan con l’EP del 2004 “Time is just the same”, la collaborazione dà i suoi frutti e  i due pubblicano nel 2006 il Disco “Ballad of Broken Season”, ottimo Lp con venature folk e country.

La combinazione della voce baritonale di Lanegan e quella della Campbell si sposano alla perfezione.

Il buon riscontro di critica e vendite porta ad un secondo atto : il disco “Sunday at Devil Dirt” forse in tono minore rispetto al precedente.

La collaborazione produce un terzo disco : “Hawk” appunto uscito nel 2010 e che forse è il loro disco più completo e maturo.

L'Lp è un compendio della musica roots americana degli ultimi 30 e più anni, caratterizzato dell’accoppiata di  voci Lanegan - Campbell (come detto il contrasto tra il baritono di Lanegan e la voce più delicata della Campbell è molto caratteristico).

Il loro duo, che ricorda molto Lee Hazlewood-Nancy Sinatra, omaggia in “Hawk”  il folk, il country, il pop barocco ed il blues.

Gli arrangiamenti e l’atmosfera ricordano i grandissimi Mazzy Star soprattutto nei brani più lenti.

I pezzi sono quasi tutti scritti da Isobel Campbell, tranne due cover di Townes Van Zandt : “Place to fall” e “Snake song” una bella ballad acustica la prima, mentre “Snake Song” qui diventa una indie song blues con tanto di chitarra slide.

E’ presente anche uno strumentale, la title track “Hawk” , un r’n’r con il giro di basso alla “Green Onions” con chi del TomWaits post “Rain Dogs” in sottofondo.

Troviamo ballate country come la mozzafiato “Lately”, o il folk rock con un fingerpickin di chitarra delizioso di “Time of Season”.

L’alternarsi delle voci di Lanegan e della Campbell, trova il massimo splendore  in uno dei miei brani preferiti “Cool Water”, anche qui la chitarra arpeggiata è meravigliosa.

Con “Come undone” abbiamo del bel soul pop, dove il piano e la voce di Lanegan vanno a braccetto.

“Eyes of Green” invece ricorda una filastrocca per bambini, da segnalare la lenta “We Die and See Beauty Reign”, mentre forse “You Won't Let Me Down Again” è leggermente anonima e sottotono.

"To Hell and back again" è molto più che un omaggio ai grandissimi Mazzy Star, sia nel suono di chitarra che nella melodia che nel cantato

La voce di Lanegan caratterizza il r'n'b di "Get behind me", trascinante e sgangherato al tempo stesso, infine uno dei brani più belli del disco, la ballata country -folk-indie di "No place to fall".

Il disco ebbe  un ottimo riscontro di critica e non andò male neanche con le vendite, per quanto si possa vendere un vinile non  commerciale nel secondo decennio del nuovo millennio.

Isobel Campbell dal 2010 non ha pubblicato nessun altro lavoro, mentre Mark Lanegan ha dato alle stampe “Blues Funeral “ (2012), “Imitations” (2013) e “Phantom Radio” nel 2014.

Foto della label della mia copia in vinile di VVR745755

Isobel Campbell & Mark Lanegan - "Time of the Season" - (sample)

Di nuovo tempo di vacanze natalizie, quindi niente di meglio che impegnare le serate libere (o i pomeriggi o le mattine) nella lettura di qualche buon libro.

"American Indie" di Micheal Azerrad (titolo originale inglese "Our Band Could be your life") uscì nel ormai lontano 2001, ma la versione italiana (a cura e tradotta da Carlo Bordone, uno dei migliori giornalisti musicali -e non solo - italiani con il quale qualche hanno fa ho avuto il piacere di condividere alcune serate da DJ selector) è del 2010.

Il libro è fondamentale per chi negli anni ottanta ascoltava musica underground, un periodo dove la musica alternativa era davvero alternativa e creava un mondo parallelo alle major ...che ovviamente finirono poi per conquistare il tutto.
E' una pubblicazione importantissima per i giovani che vogliono capire cosa voleva dire essere alternativi in quegli anni e conoscere la storia di ottimi gruppi.

Il libro racconta nascita, ascesa e a volte declino (fermandosi sempre quando la band di turno firma per una major) di 12 band fondamentali per la musica americana (e non solo) degli anni ottanta: Black Flag, Minutemen, Mission of Burma, Minor Threat, Husker Du, Replacements, Sonic Youth, Butthole Surfers, Big Black, Dinosaur Jr, Fugazi, Mudhoney e Beat Happening.

Non è una enciclopedia della musica alternativa (mancano grandissime band : Meat Puppets, Violent Femmes su tutte), è solo il racconto delle loro storie (anche con le parole dei protagonisti)  e dello loro stile di vita, che in parecchi casi (basti pensare ai Minor Threat ) è diventato uno stile per moltissimi giovani nel mondo.

Qualcuno di loro suona ancora, si è riformato, o ha creato nuovi progetti, tendendo conto che il libro è uscito nel 2001 e, come scrive Bordone, da allora il "ciclone" Strokes ha cambiato tutto, forse molte storie di queste band si sono rovinate a posteriori con la classica reunion,
Le storie raccontate da Azerrad continuano  ad essere bellissime ed importanti,  il libro si legge tutto di un fiato e vi farà venire voglia di (ri)ascoltare i dischi di queste band.

P.S.: "Our band could be your life" è il titolo di una canzone dei Minutemen.

“Candy Apple Grey” uscito nel  Marzo del 1986 è un disco con un valore storico. Non perché sia il miglior disco degli Husker Du, infatti non ha il furore hardcore di “Metal Circus”, la maestosità di “Zen Arcade”, la compattezza di “New day Rising”, l’innovazione di “Flip your wing”, ma perché ( è comunque  un ottimo album) è il primo lavoro degli Husker Du e di tutto il movimento “indipendente americano ad essere pubblicato su major.
Il mainstream iniziò ad accorgersi dei gruppi indie americani e delle etichette che li supportavano verso la metà degli anni ottanta, quando capì che dietro la scena indipendente si nascondeva un mercato che poteva diventare florido e rilanciare il music business.
Gli Husker du da Minneapolis  furono i primi a firmare per una major (la Warner Bros) pur mantenendo una notevole autonomia  musicale e contrattuale.
Da sempre alternativi tra gli alternativi gli Husker du (Grant Hart voce e batteria, Greg Norton basso e Bob Mould chitarra e voce) nascono come gruppo hardcore ad inizio anni ottanta , ma non si limitano a seguire le ferree regole del genere, ma sin dal loro esordio “Land Speed Record” e poi con i successivi “Everything falls apart” e Zen Arcade (doppio su SST) i tre di Minneapolis , dotati sia come compositori che come musicisti, iniziano ad allargare  gli orizzonti del genere Hardcore.
Prima aggiungendo al  repertorio brani sixties (“Sunshine superman “ di Donovan e “Eight miles high” dei Byrds), poi iniziando a comporre ed a usare nuovi suoni e nuove sonorità facendo diventare gli Husker Du una delle band più innovative degli anni ottanta e per il sottoscritto una delle migliori band degli ultimi trenta anni, pur mantenendo uno stato di purezza per il mondo alternativo.
Alfieri del do it yourself, con il loro look da dopolavoro di Minneapolis, ma non fanatici a tutti costi della scena alternativa.
Grazie a questa continua voglia di evolversi, anche dovuta alla rivalità Hart/Mould - quasi dei Lennon Mccartney del alternative rock- , prima benefica e poi distruttiva per la band,  gli  Husker Du nel 1986 erano la band più alternativa e pura che poteva firmare per una major senza essere commerciali ed accusati di  essersi venduti.
Il disco purtroppo arrivò in un momento sia di stanca compositiva che di aumento di tensioni interne (circa dieci anni passati on the road per i gruppi alternativi degli anni ottanta  era distruttivo, i tour e la vita on the road  erano massacranti), ma fu comunque un buon disco. E’ stato anche il primo disco degli Husker Du che ho ascoltato, questo me lo rende particolarmente importante.
"Crystal" il brano di apertura si basa su un muro di chitarra e la rabbia nel cantare di Bob Mould, " I dont' want to know if your are lonely" è una delle migliori canzoni degli Husker Du ed una delle migliori canzoni degli anni ottanta : cantato melodico, chitarre velocissime e tipici stacchi degli Husker Du, il testo è puro risentimento da adolescenti verso chi ti abbandona...stupendo.
In "I don't know for sure" il quasi parlato di Mould la rende nervosa anche se in realtà è un canzone melodica, "Sorry somehow” è anche ancora uno dei brani migliori degli Husker Du scritta dal batterista (forse parteggio troppo per Hart), qui troviamo anche le tastiere, ed è un brano mid tempo melodico e potente, un altro gioellino.
L'acustica scritta da Mould "Too far down" è meravigliosa e traccia una strada per tutte le canzoni acustiche dei gruppi indie dal 1986 ad oggi, così come il brano (ancora di Mould) "Hardly  gettin over" lenta e quasi folk, oggi sarebbe sicuramente in classifica. Hardcore pop per "Death set destruction” e poi l’ultimo brano di  Hart la ballata (commerciale forse, ma da brividi ) "No promise I have made".
Gli ultimi due brani (scritti da Mould) sono "All this i've made for you" puro tardo hardcore e "Eiffel Tower high" brano potente  e veloce.
Il disco fece conoscere la band al grande pubblico, e preparò il terreno per il doppio “Warehouse and song” che pose fine alla carriera degli Husker Du, dilaniata dalle tensioni interne e dal uso di droghe.
Bob Mould e Grant Hart hanno continuato sia con altre band (Nova Mob per Hart, Sugar per Mould) che da solisti. Sono, giustamente, considerati delle leggende della musica alternativa.

Foto della label della mia copia in vinile di 925385-1

Husker Du - "I don't want to know if you are lonely" - (sample)

Un classico per questa torrida (si fa per dire) estate:  un disco considerato tra i più influenti dei seventies, il primo Lp (uscito praticamente dopo lo scioglimento del gruppo, o meglio della formazione originale ) dei Modern Lovers.
Disco fondamentale, in cui le influenze dei Velvet Underground (il leader Jonathan Richman era un fan della band di Reed e Cale) si mischiano con lo stile e i racconti post adolescenziali  del leader, con un suono, acido, veloce, metropolitano; un proto punk, che ispirò e continua ad ispirare, decine di band.
Il disco può essere considerato l’anello di congiunzione tra i Velvet ed il punk rock.
Richman nasce in Massachusetts nel 1951, si trasferisce a New York e poi di nuovo a Boston, e nel 1970 forma il primo nucleo dei Modern Lovers con  John Felice, futuro leader della R’n’r band Real Kids.
Nel 1971 Felice abbandona e la formazione si stabilizza con il bassista Ernie Brooks (studente di Harvard),  il tastierista Jerry Harrison e David Robinson alla batteria, line up che verrà chiamata a posteriori  “Original Modern Lovers”.
Tra il 1971 ed 1973 in una  New York dove iniziava a fermentare il seme dell’ punk rock –new wave che sarebbe esploso di li a breve, la band inizia a farsi conoscere con una attività live.
Aprono il concerto di capodanno del 1973 per i New York Dolls , suonano con Wayne County,  suonano al Townhouse ed entrano in contatto con i futuri protagonisti della scena newyorkese che a breve diventeranno protagonisti della scena mondiale.
Vengono notati dalla  Warner Bros che li affianca a John Cale e li porta in studio di registrazione, ma registrano brani anche per la A&M  e per Kim Fowley in visita a New York.
Risultato:  il tempo passa, il tiramolla di Jonahtan Richman fa si che né la Warner né A&M mettano sotto contratto la band, che nel 1975 si è ormai praticamente sciolta.
Harrison è finito nei Talking heads, Robinson forma i Cars e Richman ormai ha in mente altri progetti, Jonathan ha abbandonato il sound ruvido dell’ inizio spostandosi verso un r’n’r’ acustico con testi super ironici (se non demenziali).
Il caso vuole però che Matthew King Kaufman, nel 1976, sentiti i nastri registrati tra il 1972 ed il 1973 ne rimane colpito e li vuole per la sua  per la sua nuova label (Home of the hits inizialmente, diventata poi Bersekley), paga i diritti e contatta Jonathan Richman che ovviamente non ne vuole più sapere di quel sound e degli Original Modern Lovers, ovviamente l’accordo si fa pubblicando sia i vecchi nastri che un disco con i nuovi Modern Lovers che Richaman aveve riformato
La Bersekley dunque pubblica nel 1976 sia “Jonhathan Richman and the Modern Lovers” con il nuovo corso della band, che, dopo aver pagato i diritti alla Warner e alla A&M, “Modern Lovers” con le registrazioni di un gruppo che in realtà non esiste più.
Pare che anche lo stesso Richman non riconosca “Modern Lovers” come primo lavoro della band.
I brani del disco ormai sono diventati dei classici caratterizzati dalla voce nasale di Richman e dal suono ruvido proto punk e atmosfera Velvet : “Roadrunner “ coverizzata anche dai Pistols è ormai un classico del punk rock, due accordi, ritmica e potente, una Route 66 della generazione punk, il suo intro “1-2-3-4” è ormai un classico, il testo è puro R'n'R:

Roadrunner, roadrunner

Going faster miles an hour

Gonna drive past the Stop 'n' Shop

With the radio on

I brani “Storici” proseguono con la lenta e cupa, con tanto di batteria alla Bo Diddley, “Hospital”, la stoogesiana (con accordi alla “Hey Joe”)  “Someone I care about”, la love song in stile New York  di inizio seventies di “Girl Friend”, la punk rock “She’s Cracked” (la mia preferita : l’ingresso del basso e della batteria con la chitarra lanciata  in corsa a più di venticinque anni dal  primo ascolto mi  dà ancora i brividi), la trascinante “Modern World”, lo stomp di “Astral Plane” e la stupenda “Pablo Picasso”, blues punk metropolitano con le chitarre lancinanti.
Quando uscì il disco ormai il verbo del punk rock, dai bassifondi newyorkesi e londinesi, si stava diffondendo in tutto il mondo ed il disco divenne un  classico ed una fonte di ispirazione facendo entrare  i Modern Lovers nel giro delle band punk, anche se in realtà non c’entravano più nulla con il genere né punk né new wave.
I Modern Lovers ebbero il loro momento di notorietà grazie al  movimento punk- new wave, notorietà (e vendite) che proseguirono per tutti gli anni ottanta. Fama forse non del tutto meritata visto che nonostante il fantastico esordio, il buon  Lp nel 1976 e il discreto“(1977) “R’n’r roll with Modern Lovers”, (che contiene la bella  million seller “Egyptian Reggae”) si persero un pochino per strada, diventando spesso la band che accompagnava Richman,  entrambi non sempre al massimo della "forma".
Richman proseguì la sua carriera da menestrello solista che dura tuttora ( personalmente ritengo che sia per true fans only), incidendo lp, partecipando a film di successo (“Tutti pazzi per Mary” del 1998), ma forse non raggiungendo mai le vette artistiche del  primo indimenticabile disco degli “Original Modern Lovers”.

Gli inediti delle session con Kim Fowley del periodo 1972-1974 verranno pubblicati dalla Bomp su "The Original Modern Lovers" nel 1981.

Pat Dinizio, vocalist e leader degli Smithereens è un grande collezionista di vinile, nel 2003 scriveva nella prefazione del bellissimo libro di Brett Milano "Vinyl Junkies" di possedere più di 10mila vinili, ed esaltava tutto quello che dei dischi piace a noi collezionisti: il rumore della puntina sui solchi, l'odore, i colori delle copertine
Il primo Lp del suo gruppo è il risultato di questa sua passione, l'esordio a 33 giri, uscito nel 1986, degli Smithereens è un concentrato di generi musicali, frutto di anni di ascolto e di collezionismo.
In “Especially For You” si trova non solo il  Power pop, come frettolosamente viene a volte catalogata la band, ma anche il pop dei fifties (Buddy Holly su tutti), il punk rock, il r'n'r e il garage punk, ottimamente mixati in un bel  disco che si ascolta con piacere.
Si comincia con  il puro power pop in stile anni ottanta di “Strangers when we meet” ottimo brano melodico e rickenbeckeriano, e nel successivo “Listen to me girl” ancora Power Pop con intro di armonica.
Gli Stones vengono citati in “Groovy Tuesday”, ancora echi del gruppo delle pietre rotolanti nella bella "Cigarette"  che rimanda alle ballad di metà anni sessanta del duo Jagger-Richards.
Un altro grande nome  dei sixties cioè i Byrds riecheggia in "I don't want to lose you", molto eighties  ma con un solo finale di chitarra  che ricorda molto "I'll fell a whole lot better".
Pop (Beatles e Buddy Holly) e il riff di “Pretty Woman” si incontraono in "Time and time again", ottimo brano ,ballabile e trascinante che  oggi sarebbe un dancefloor da classifica!
“Behind the wall of sleep “sembra essere uscita da "Road to ruin”dei Ramones, mentre "In a lonely Place" (bella song d’autore) si incontrano il Jazz, e la bossa nova.
Blues, Hard garage e pop si miscelano in "Blood and Roses" (singolo che toccò le classifiche), rockabilly e pop in "Crazy mixed-up kid", e garage pop (con il riffi di chitarra che rimanda molto al classico garage "Fight Fire") per l'ottima "Hand of Glory"
“Especially for You” fu il primo Lp della band, che si formò  ad inizio anni ottanta nel New Jersey, con Pat Dinizio chitarra e voce, Jim Babjak chitarra, Mike Mesaros basso (inizialmente Ken Jones era il bassista, passato poi alla chitarra e poi uscito dalla formazione) e Dennis Diken batteria.
Il gruppo si forma nel giro degli studenti del New Jersey e pubblica due mini EP ad inizio anni ottanta : "Girls About Town2, seguito da "Beauty And Sadness2 nel 1982, nello stesso periodo fanno da spalla ad Otis Blackwell.

The Smithereens 1986

Una cassetta inviata all Enigma records (etichetta dell’ impero Capitol/EMI ) porta finalmente ad un contratto discografico, la band firma per l’Enigma ed entra in studio di registrazione, con Don Dixon come produttore, nel frattempo grazie alla attività live nel circuito new Yorkese il gruppo inizia a farsi conoscere .
L’esordio degli Smitherens è accolto molto bene dalla critica musicale e per un po di tempo gli Smitherens sono la band “trendy” che tutto l’underground vuole ascoltar (almeno nella costa East Coast degli States, un pochino meno in europa).
Con il primo disco (da segnalare anche la partecipazione di Suzane Vega come Backing vocalist che l'anno successivo raggiunse le vette delle classifiche con "Solitude Standing") arriva anche il moderato successo, grazie al singolo “Blood and Roses” che  raggiunge le classifiche di Billboard, il brano verrà anche in un episodio del famigerato "Miami Vice" nel 1987.
Gli Smithereens mantengono il loro status di band di cult,o ma in ascesa di popolarità, che negli States viene raggiunta con l’album successivo “Green Throughts” (1988) e  con i singoli  “Only a Memory”  e “House We Used to Live In”.
Con il terzo Lp “11”  il gruppo indurisce leggermente il suono, allontanandosi leggermente dal progetto originale, continuano a pubblicare dischi fino a metà anni novanta quando si sciolgono temporaneamente per riformarsi nel 1999, da allora continuano a suonare e a pubblicare Lp.

The Smithereens - "Stranger when we meet" (sample)

Dei gruppi del Madchester Sound (vedi post http://thefreewheelingroover.blogspot.it/2013/10/inspiral-carpets-life.html) gli Happy Mondays erano quelli più legati all’ambiente dance ed  al Clubbing.

Fondati ad inizio anni ottanta da Shaun Ryder, nascono nella Great Manchester, e sono stati, forse i primi, che hanno  iniziato a contaminare suoni rock e dance ed avvicinare il rock al mondo dei Club ed al nascente movimento  rave  di fine anni ottanta.

Il loro genere è un mix di sixties sound, soul, funk, disco e proto rave, i testi raccontavano storie di vita vissuta dalla working class di fine anni ottanta, di sballo, di acidi e pillole e dei club che iniziavano a sostituire i pub nei divertimenti della working class del nord dell’Inghilterra.

La formazione comprende Shaun Ryder voce, suo fratello  Paul Ryder al basso, il chitarrista Mark Day, Paul Davis alle tastiere  e il batterista Gary Whelan.

La band entra in contatto con Tony Wilson, suonando nel suo locale La Hacienda, e per la sua neo etichetta (la Factory che sarà una delle etichette di punta del movimento musicale britannico degli anni ottanta /novanta) incidono un Ep nel 1985, seguito, sempre per la Factory Records, dall’ Lp che inizia a far conoscere la band in UK “Squirrel and G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out)”, titolo che già spiega lo stile entro il quale si muove la band .

"24 hour party people" verrà usato anche per il film del 2002 di Micheal Winterbottom  sulla scena musicale di Manchester e sulla vita di Tony Wilson.

Il disco porta alla ribalta gli Happy Mondays, l'interesse per la band viene confermato anche dal successivo “Bummed” (1988) sempre per la Factory, ma il successo mondiale arriva nel 1990 con appunto “Pills 'n' Thrills and Bellyaches”.

Il titolo è tutto un programma: Pillole, brividi e mal di pancia, come già detto un tuffo nel mondo musicale dei club con solide basi rock e sixties e con la cultura delle droghe, un piccolo gioellino che ha lanciato uno stile ed ha aperto la porta a due mondi che fino allora sembravano separati.

Tanto per citare un altro capolavoro del genere, l’anno successivo uscì “Screamadelica” dei Primal Scream, anche grazie alla "spinta " data dal disco degli Happy Mondays.

Personalmente ritengo il suono ed i riff di chitarra di Mark Day fra i più freschi ed affascinati dei ninenties, riff ritmici, sixties, moderni e dance .

I pezzi forti del disco sono “Kinky Afro” e “Step on", la prima è  una “Father and son” acida,  drogata  e con la citazione di “Lady Marmalade” : disco imbottita di pillole e chitarre jingle jangle e house beat super trascinante. Supersballo dei ninenties.

“Step on” altro singolo del disco (rifacimento, non proprio una cover, di un pezzo di John Kongos del 1978) con la  base super dance, cantato rabbioso e melodico, chitarre jangle e organo che vanno alla grande è un piccolo cult per gli anni novanta.

”Bob Yer Uncle” è un brano dance con tocchi di puro hippie psych (fiati e flauto) e chitarra acustica, il testo racconta di come un marito cerchi di stimolare la vita sessuale di coppia sperimentando nuove posizioni, altroa track  trascinante è “God’s Cop” con slide di chitarra e il mid tempo da clubbing, “Donovan” pare essere un omaggio al menestrello delle psychedelia inglese, il brano inizia con un basso soft per poi esplodere con batteria e chitarra funk.

Uno dei brani che preferisco è “Loose fit”, molto dance e con basso da rave, una batteria che scandisce il tempo ma con le chitarre jingle jangle  che si inseriscono alla grande, “Danny and Lois” è l'esempio classico delle influenze degli Happy Mondays : intro di percussioni in stile “Sympathy for the devil”, voce melodica in stile sixties ,ma chitarra disco e batteria da Rave party.

Un racconto di una vacanza da sballo ad Amsterdam per “Holiday” con chitarre e cori soul gospel in sottofondo.

Gli Happy Mondays diventano una delle band più “in” del Regno Unito, anche grazie al Madchester sound che imperversa (Stone Roses, Charlatans, Inspiral carpets..), nei club si ballano i loro brani e i giovani utilizzano il loro look fatto di pantaloni e vestiti larghi (quasi un proto grunge) ispirato anche dai rapper.

Anche la copertina del disco è purò “acido”, un giallo coloratissimo con una serie di icone che oggi violerebbero  i diritti d’autore  .

L'Lp arriva in vetta alle classifiche inglesi, (numero 4 UK) , raggiungendo il disco di platino.

Ottimo successo in Europa ed un pochino meno in Usa (numero 89), forse perché la band ha caratteristiche tipicamente British.

Il gruppo si impegna in un tour molto impegnativo, e il successivo disco del 1992 “Yes Please!”  è prodotto da Tina Weymouth e Chris Franz dei Talking Heads,  ma non raggiungerà nè i favori del pubblico né quelli della critica, probabilmente ciò fu dovuto anche al fatto che nel giro di  due anni i gusti erano già orientati al nascente Grunge rock e al brit pop di Suede e Blur.

La band si sciolse una prima volta nel 1993, si riformò nel 1999, nel 2004 e nel 2012, avendo in comune il solo Shaun Ryder.

Gli Happy Mondays hanno pubblicato un disco “Uncle Dysfunktional” nel 2007, ma non hanno mai più raggiunto i picchi dei “Pills ,Thrills & Bellyaches” .

Foto della label della mia copia in vinile di FACT320 ,stampa originale UK